시인이 붓을 잡을 때

시인은 그림을 그린다! 이상하고 믿기 힘들지만, 생각해보면 특이한 게 있나요? 시와 그림은 서로 별개의 세계가 아니다. 시인은 이미지를 불러일으키기 위해 글로 글을 쓰고, 예술가는 감정을 불러일으키기 위해 글로 그림을 그린다. 시인들이 그림에 관심을 갖는 것은 같은 이야기를 전달하는 새로운 언어를 찾는 것이 아닐까요?

베트남에서는 이런 현상이 더 이상 낯설지 않습니다. 부이 찻과 응우옌 꽝 티에우, 두 유명 시인은 이제 회화계에서 꽤 자주 언급되는 이름이 되었습니다. 그들은 그림을 그리며 전시회를 개최하고, 그들의 그림은 기술적으로 "표준"이든 "비표준"이든 여전히 호평을 받고 있으며, 때로는 적지 않은 가격에 판매됩니다. 하지만 사람들이 돈을 내고 싶어 하는 이유는 무엇일까? 그들의 이야기를 그토록 흥미롭게 만드는 것은 무엇일까?

부이 챗과 그의 그림들

예술적 상호작용

부이 찻의 그림 스타일은 '그림을 못 그리는 사람'처럼 특별해졌습니다. 그의 그림은 어떤 표준도 따르지 않으며, 구성 원칙에 관심을 두지도 않습니다. 그것은 마치 자유시와 같습니다. 때로는 지저분하고 때로는 깨지기 쉽지만 항상 감정이 가득합니다. 전시회 '임프로비제이션' 에서 그는 한때 이렇게 말한 적이 있다. " 그림은 감정을 즉흥적으로 표현하는 방법이에요. 감정이 말로 굳어지기 전에도 말이죠." 그의 그림의 매력은 바로 이겁니다. 완벽해지려고 노력하는 것이 아니라 현실적이 되려고 노력하는 거죠.

하지만 이 여행은 쉽지 않습니다. 부이 챗은 한때 이렇게 말했습니다. " 사람들은 내가 3학년처럼 그림을 그린다고 합니다. 하지만 저에게 그림 그리는 것은 제가 훌륭하다는 것을 증명하기 위한 것이 아니라, 제약에서 벗어나기 위한 것입니다 . " 그 발언은 대중과 전문가 모두가 그에게 보인 회의적 시각을 부분적으로 반영한 것입니다. 그의 그림 속 불확실한 획과 무의미해 보이는 공간은 종종 "기술적으로 부족함"으로 여겨지지만, 때로는 시가 표현할 수 없는 깊은 감정을 담고 있다.

Bui Chat의 그림

부이찻이 시와 그림에서 모두 반항아라면, 응우옌 꽝 티에우는 그림에 깊고 몽환적인 느낌을 더했습니다. 그의 그림은 현실을 재현하지 않고, 들판, 소떼, 지붕, 플루트 연주자 등 시간과 상상력에 의해 왜곡된 작품과 같은 기억을 재현합니다. 하지만 그에게도 어려움이 없는 것은 아니다. " 당신은 시인인데, 그림 그리는 데 전념하지 않는 게 어때요?"와 같은 비판. 그의 그림이 시에서 얻은 기존 명성에만 의존한 것이 아니라는 것을 증명하라는 압력을 받게 되었습니다.

응우옌 꽝 티에우는 이렇게 말한 적이 있다. " 내 시 속 들판은 실제 들판이 아니고, 내 그림 속 들판도 마찬가지다." 그의 그림 속 모든 것은 확대되거나 비정상적으로 축소되어, 초현실적이면서도 꿈의 깜빡이는 기억과 같은 공간을 만들어낸다. 하지만 이러한 차이로 인해 때때로 그의 그림이 "시각적으로 충분히 심오하지 않다"는 오해를 받기도 합니다. 하지만 그의 그림을 진심으로 감상하는 사람들은 그 그림이 때로는 말로 표현할 수 없는 깊은 향수를 불러일으키는 이미지라는 것을 깨닫습니다.

"아마추어"가 전설을 창조할 때

붓을 든 시인의 이야기는 베트남에서만 중요한 것이 아니라 세계 미술사에도 큰 영향을 미쳤습니다. 유명한 영국의 시인 윌리엄 블레이크는 시를 썼을 뿐만 아니라 그림도 그렸습니다. 《고대의 날들》 이나 《뉴턴》 과 같은 작품에서 그의 그림은 마치 시각적인 시와 같으며, 붓놀림 하나하나가 상징적이어서 표면적 이미지 너머에 있는 의미의 층을 암시하고 있습니다.

노벨상을 수상한 인도의 시인 라빈드라나트 타고르도 그림을 그리면서 많은 의심에 부딪혔습니다. 그는 감정과 자유로움이 가득한 2,000여 점의 그림을 남겼지만, 동시대인들로부터 다음과 같은 질문을 받았습니다. 타고르는 " 색 은 말로 부를 수 없는 노래입니다."라고 답했습니다. 그래서 그의 그림은 어떤 학파에도 속하지 않지만, 이해하기 어렵지만 공감하기 쉬운 감정의 세계를 불러일으키기 때문에 여전히 강한 매력을 가지고 있습니다.

관광객들이 부이찻의 작품을 감상하며 교류하고 있다.

빈센트 반 고흐와 장 미셸 바스키아와 같은 유명한 화가조차도 한때는 회화에 있어서 '아마추어'였습니다. 그들은 정식으로 훈련을 받지 않았지만, 이런 자유로움이 그들의 스타일을 만들어냅니다. 밝은 노란색을 사용한 반 고흐, 괴로운 영혼의 비명과 같은 지저분한 획을 사용한 바스키아는 예술에 완벽한 기법이 필요하지 않고 진실한 마음이 필요하다는 것을 증명했습니다.

예술에는 경계도 없고 편견도 없습니다

시인이 그림을 그릴 때 종종 "아마추어"로 여겨지는데, 자신에게 속하지 않은 세계로 들어가는 호기심 많은 사람입니다. 하지만 그게 공평한가요? 아름다운 그림은 기술적으로 옳은지 그른지가 아니라 보는 사람의 영혼에 무엇을 전달할 수 있는지가 중요합니다.

부이 찻, 응우옌 꽝 티에우 또는 윌리엄 블레이크의 그림은 시각적인 의미에서 '아름다움'을 추구하지 않고 정신적 의미에서 정직함을 추구합니다. 그들은 예술가와 경쟁하기 위해 그림을 그리는 것이 아니라 자신의 창의적 언어를 확장하기 위해 그림을 그린다. 그리고 편견에 맞서고 어려움을 극복하려는 용기가 이러한 작품을 특별하게 만듭니다.

다른 예술 형태와 마찬가지로 회화는 기술을 겨루는 것이 아닙니다. 전문 예술가들은 학문적 기준이 장벽이 되기보다는 좀 더 열린 마음을 가져야 할 수도 있습니다. 예술은 누구에게도 성역이 아니다. 시인, 화가, 예술 애호가 등 누구나 창작하고 표현할 수 있는 큰 집입니다. 윌리엄 블레이크가 이렇게 쓴 적이 있습니다. " 우리는 시도할 자유를 얻을 때까지 우리가 무엇을 할 수 있는지 결코 알 수 없습니다."

출처: https://thanhnien.vn/khi-nha-tho-cam-co-185241203150319614.htm